Tindersticks, chasseurs de trésors et d’espoir

D’une certaine manière effectivement, No Treasure But Hope marque le retour de Stuart Staples auprès de Tindersticks après quelques travaux individuels. En 2017, il aura ainsi réalisé son premier film, Minute Bodies : The Intimate World of F. Percy Smith , avant de s’inspirer des peintures de Suzanne Osborne, son épouse, pour imaginer un album solo ( Arrhythmia , sorti chez City Slang en 2018) puis d’écrire la musique de High Life , un autre film de sa copine Claire Denis. Dans quel état d’esprit étiez-vous en retrouvant le groupe ? Dans un sens, c’était fantastique. C’est se retrouver avec des gens, des musiciens que vous aimez, qui vous enthousiasment, avec lesquels vous partagez quelque chose de très profond. Mais en même temps, j’ai été vraiment très heureux de travailler sur High Life , de passer mes journées dans mon studio à expérimenter. Si ces deux ou trois dernières années, j’ai été solitaire, je me suis aussi très fort impliqué dans ce qui était alors mon travail. Le résultat me plaît. Facile de passer d’une certaine solitude aux journées en groupe ? Toutes les répétitions ont eu lieu en acoustique, avec le groupe rassemblé autour du piano. Ça fait du bien de sentir ce désir collectif, ça réchauffe, mais ce n’est pas par complaisance. C’était le bon moment : tout le monde était prêt à consacrer son énergie à ce que demandait le projet. Si on avait arrêté de tourner pour The Waiting Room et qu’on s’était dit « OK, voilà l’idée suivante », je suis sûr que ce nouvel album n’aurait pas été porté par ce désir. Ici, il est question d’être ensemble, de faire quelque chose ensemble, qui paraît important pour chacun de nous dans nos vies, et c’est ensemble qu’on s’efforce de capturer cette essence-là. Après 25 ans de parcours, « être dans un groupe » a une autre signification pour vous ? Il y a quelques semaines, j’étais en interview pour un magazine anglais, à propos de chaque album du groupe. A la fin, le type me demande lesquels je préfère, je lui dis les deux premiers et les deux derniers, parce que je les trouve les plus forts. Il me répond que j’ai raison mais que peu de groupes peuvent en dire autant, après une carrière aussi longue… Quand nous avons commencé, c’était inconscient, purement instinctif. Et je pense qu’arriver à revenir à un point où on a cette liberté mais en étant plus âgés, avec toute l’expérience et les souvenirs accumulés, c’est presque une plus grande réussite encore. C’est un espace dans lequel nous nous retrouvons, des choses et des désirs que nous partageons… C’est quasiment une seconde chance, pour nous, le genre de truc qui ne devrait jamais se produire. Dans un sens, j’ai pensé que je ne serais plus jamais dans un bon groupe. Et j’y suis. L’étincelle qui a donné vie à ce nouvel album, c’était quoi ? Il y a un an, pendant l’été, nous avons commencé à discuter. En nous disant que début 2019, il serait peut-être temps de commencer à travailler sur le prochain album. Chacun a eu la possibilité de penser à ce qu’il en attendait, comment il envisageait l’approche. Et moi, je suis allé à Ithaque (NDLR : il partage désormais sa vie entre la Creuse en France et l’île grecque) pour essayer d’organiser tout ce que j’avais en tête. Les textes, en particulier. Le plan était de se retrouver pendant trois jours, toutes les trois ou quatre semaines. Et de jouer, d’écouter la musique et de voir où ça nous emmenait. Tout ce qui se trouve sur l’album vient de là, très démocratiquement. Vous savez, quand vous êtes avec des gens qui savent ce qu’ils font et ce qu’ils veulent, vous ne pouvez résister à une bonne idée. Le piano est l’instrument principal de quelques-uns de ces nouveaux morceaux, comme « Carrousel » ou « No Treasure But Hope ». C’est nouveau, pour vous ? Le piano est devenu important. Nous n’en avions pas jusque-là, et j’en ai même acheté un pour cet album. Nous sentions qu’il était important que ces morceaux prennent vie autour du piano, même si au final ils devaient s’articuler autour d’un vibraphone, un orgue ou autre. Avoir un piano comme pièce centrale, pour nous retrouver autour, explorer des idées, ça nous semblait important. Je ne me suis pas forcément dit que ça allait être un album avec des morceaux au piano, mais si vous choisissez de répéter tel ou tel morceau sur cet instrument, que vous vous rassemblez autour et que ça marche, c’est peut-être ce que voulait ce morceau. Les choix sont importants et on sent ceux qui sont étrangers à ce disque. Je voulais être dans un cadre qui ne soit pas un studio, où le studio n’était pas important. Et donc cet album relate ce qui s’est passé pendant ces répétitions. Contrebasse, vibraphone, piano, chant, cordes en nylon pour la guitare acoustique, Neil (NDLR : Fraser) jouant sur une guitare électrique : sur chaque morceau, on peut entendre ce que chacun fait. Il n’y a pas d’overdubs, c’est juste un pur compte rendu : voilà comment ça sonnait dans cette pièce. Et ça sonnait bien, pour nous. Je ne voulais donc pas tout bouleverser. Il n’y a rien de plus honnête qu’un piano, vous savez. Il est juste devenu… irrésistible. Les concerts suscitent parfois de la frustration, si on n’arrive pas à vivre dans ce genre d’atmosphère sur scène ? Un concert, c’est pour moitié des musiciens. Ça a tellement à voir avec les gens qui viennent se connecter à la musique, pour ressentir quelque chose. Un concert a vraiment lieu quand cette « conversation » commence. Et une fois que cette conversation commence, vous avez des musiciens qui jouent, vous avez des chansons, et puis vous voyez bien où ça vous emmène. Si vous tentez de trop diriger les choses, que vous vous en tenez strictement à la setlist, que vous prévoyez, vous empêchez tout simplement quelque chose de se produire. Comme dans cette pièce où nous étions. Les gens vous rejoignent à leur manière et ça crée une énergie qui, pour moi, est l’essence du concert. Sur cet album, « See my girls » a un petit quelque chose de particulier, de nerveux, et ce « namedropping » rend le morceau un peu plus concret. Ce morceau-là est arrivé tôt dans nos répétitions mais a pris du temps, plus que les autres, pour être développé. Il y avait toujours un truc qui m’attirait, mais je ne comprenais jamais ce qu’il voulait dire. Il aurait pu être laissé de côté en fin de compte, comme c’est arrivé avec pas mal d’autres. Chaque chanson doit avoir une intention… Celle-ci, c’est la wild card de l’album. « See my girls » commence sur un ton plaisant mais à la fin, tous les chouettes endroits mentionnés, beaux à voir, ne le sont plus tellement. Votre vision du monde correspond-elle mieux aujourd’hui aux morceaux du groupe qu’il y a 25 ans. Le monde est devenu plus sombre, non ? Au début, mon écriture était très « interne ». Je n’avais pas vraiment d’espace pour regarder au dehors. Aujourd’hui, à l’âge que j’ai (NDLR : il aura 54 ans ce 14 novembre), étant père, ceci et ça, c’est impossible de ne pas être absorbé dans ces chansons. Je ne suis pas de ces auteurs qui peuvent écrire directement, disons, sur la crise migratoire. Mais j’ai une relation profonde avec la mer Méditerranée. Et aujourd’hui, cette relation est entachée. La Méditerranée ne sera plus jamais pour moi ce qu’elle était auparavant. Ces choses-là se glissent dans votre écriture, mais comme une réponse humaine. Ce n’est pas une réponse politique. Votre manière d’écrire a changé ? Elle a toujours changé. Une fois que vous avez fait quelque chose, elle change ce que vous allez faire ensuite. Vous apprenez. Ce que je trouve surprenant à propos de ces dernières années, peut-être parce que j’ai tellement composé de la musique instrumentale, c’est que j’écris dès qu’une idée me vient. Ça ne m’était jamais arrivé avant. Et donc j’écris… beaucoup. En éprouvant un peu de frustration : une chanson de 3 minutes 30 ne compte toujours qu’un nombre restreint de lignes… Les 29 et 30 janvier au Théâtre national (Gand), le 28 avril à l’AB (Bruxelles), le 30 avril au Cmine (Genk).

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