Rafael Villalobos: «Ce qui m’intéresse dans Salò, c’est la beauté créée par Pasolini»

Il est l’un des jeunes metteurs en scène en vue de sa génération. À 33 ans à peine, l’Espagnol Rafael R. Villalobos a reçu de nombreux prix, a été finaliste du concours d’Opéra au Sadler’s Wells Director Fellowship, et a récemment été nommé meilleur jeune réalisateur pour les International Opera Awards à Londres. En ce mois de juin, c’est lui qui est à la barre pour Tosca de Puccini, qui conclut la saison de La Monnaie, en présence du public. Une expérience riche (il travaille désormais en Italie, en France, en Allemagne, en Hongrie, au Royaume-Uni) qui ne l’empêche pas de rester humble, curieux et accessible. C’est par une conversation informelle autour du cinéma que notre rencontre commencera d’ailleurs, alors que les répétitions de Tosca battent leur plein à La Monnaie. « C’est drôle parce que Gael García Bernal (nous parlions de mon prénom, qui est spécifiquement masculin en espagnol, NDLR) est au centre de La mala educación de Pedro Almodóvar, un de mes films préférés dont j’ai utilisé certaines citations dans cette production ! Dans mon travail, j’utilise beaucoup de références au cinéma, au théâtre, à la peinture… Mais il n’est pas nécessaire de les comprendre pour suivre le spectacle. Je travaille toujours sur deux chemins parallèles : une production narrative, qui peut être comprise par quelqu’un qui rencontre Tosca pour la première fois. Et un autre, qui fait appel à d’autres œuvres, un peu comme les films de Pedro Almodóvar, qui sont bourrés de références. » [scald=28147924:sdl_editor_representation] Casquette vissée sur la tête, Rafael R. Villalobos nous embarque très vite avec lui dans son amour pour l’art et l’opéra. L’homme est un passionné. On sent qu’il a étudié en détail les œuvres qu’il explore sur scène. « D’un point de vue artistique, c’est évidemment une grande opportunité pour moi de travailler ici : la Monnaie est un des théâtres les plus importants au monde. C’est une responsabilité, plus grande encore puisqu’on retrouve aujourd’hui le public. Et d’un point de vue personnel, c’est très émouvant pour moi d’être ici. Je ne dis pas ça par flatterie mais c’est mon théâtre préféré depuis que je suis gosse : je l’ai découvert à 12 ans, en voyant une vidéo de la production de La Calisto par Wernicke sur internet. À l’époque, je savais déjà que je voulais travailler à l’opéra mais je ne savais pas ce que je voulais faire exactement. Et cette vidéo a été une révélation qui a guidé ma trajectoire. C’est vraiment un rêve de me réveiller ici chaque matin. » Une évidence Cette passion évidente pour l’opéra, Rafael R. Villalobos l’a dont construite depuis son plus jeune âge. « Personne dans ma famille n’avait de lien avec le monde artistique. Mais le frère de ma mère, mon parrain dont je suis très proche comme le veut la tradition méditerranéenne, adorait l’opéra. Enfant, j’aimais déjà beaucoup l’art : le théâtre, les expos, la musique, je jouais un peu de guitare en autodidacte, de la flûte… Mon parrain a donc décidé de m’emmener à l’opéra car il pensait que j’aimerais ça. J’avais 10 ans et je suis allé voir ma première production à Séville, ma ville natale. C’était Turandot de Giacomo Puccini, le même compositeur que Tosca. J’ai été émerveillé et le soir en rentrant, j’ai dit à mon père que c’était ce que je voulais faire de ma vie. » Il commence alors à prendre des cours de piano, puis à 15 ans étudie le chant parce qu’il voulait « comprendre de quoi les chanteurs ont besoin pour donner le meilleur d’eux-mêmes ». Après deux ans d’études d’architecture, il déménage à Madrid pour entreprendre un bachelor en arts dramatiques avant d’aller à Barcelone pour un master en musique. Un parcours, tant théorique que pratique, qui a construit sa manière de travailler. Lors des répétitions, Villalobos observe, s’imprègne, afin de comprendre quel chanteur a besoin de plus de stabilité, de contact avec le maestro, celui ou celle qui pourra sans problème se prêter à une mise en scène plus physique… « Les choix que je fais dépendent vraiment de la musique et du chanteur. Je reste attentif aux besoins de chacun, à ce que tout le monde soit à l’aise parce qu’au final, la production ce n’est pas tellement moi et mes idées. C’est la performance sur scène. Donc j’ai vraiment besoin que les chanteurs aient confiance en moi et en la production. Le metteur en scène est comme filet du funambule. » Une approche qui ne l’empêche pas de prendre certains risques. En ce mois de juin à La Monnaie, sa Tosca sera donc imprégnée de Salò ou les 120 Journées de Sodome, le film sulfureux de Pier Paolo Pasolini. « La manière dont vous abordez une pièce dépend de son compositeur », explique Villalobos. « Tosca est très populaire et c’est assez difficile de proposer quelque chose de neuf parce que la musique de Puccini est très programmatique, narrative, descriptive. Il est le roi du mélodrame et c’est un non-sens de travailler contre ça. Ce projet est en fait né il y a de nombreuses années alors que je vivais à Rome, entre 2015 et 2016. J’étais artiste en résidence à l’Académie royale d’Espagne et en vivant là-bas, j’ai compris énormément de choses de cette œuvre. Le personnage principal n’est pas Tosca mais bien Rome (il nous montre ses tatouages aux avant-bras, un lettrage barré de Roma ou « amor » à l’envers, NDLR). En vivant là-bas, j’ai compris comment y étaient liées la politique, la société et la religion. » À l’époque, il travaille sur les œuvres de l’écrivain espagnol Pedro Calderón de la Barca et sur son impact dans la littérature italienne. C’est comme ça qu’il se tourne vers Pier Paolo Pasolini, qui avait écrit Calderón, sa version de La vie est un songe (œuvre de Calderón de la Barca). « J’ai découvert son travail au théâtre, qui est moins connu que son cinéma. Et beaucoup de choses qui pouvaient être liées à Tosca. Car c’est un opéra qui parle de ça : les liens entre la vie sociale, politique et religieuse à Rome. » Parallèlement à cette découverte de Pasolini, Villalobos travaille sur la peinture baroque du XVIIe siècle et sur Le Caravage. Deux univers entre lesquels il fait de nombreux liens. « En particulier avec Salò. Normalement, c’est un film dont on retient l’aspect dur, lié à la scatologie. Mais pour moi, c’est l’aspect le moins intéressant. Le plus intéressant, c’est comment Pasolini y utilise la lumière, les couleurs, la composition, les symboles de l’église catholique : les lys blancs, la virginité… Comment il utilise la beauté pour entrer en interaction avec le public pour qu’il continue de regarder un film qu’il ne voudrait normalement pas voir. Ce qui permet de parler de sujets incroyablement complexes. C’est la même chose avec Le Caravage dont ma peinture préférée est « Judith et Holopherne ». Ce tableau est cruel, on voit le sang. Si c’était une photo dans un journal, vous ne la regarderiez jamais. Mais là, c’est beau. » Si la référence à Salò peut faire peur, elle n’est pour Villalobos qu’une manière d’expliciter le sujet de Tosca. « Le deuxième acte de Tosca est très connecté à l’atmosphère de Salò mais aussi au Caravage. Je n’utilise pas de référence sombre à Salò ou les aspects liés à la scatologie. Le lien, c’est le sens du choc mais aussi la symbolique et l’utilisation de la beauté pour que les gens soient connectés à la proposition. Puis il y a aussi forcément un lien aux derniers jours de la vie de Pasolini, qui a été tué quelques jours après la première projection de Salò. En fait, j’ai voulu créer la plus belle production possible pour les mêmes raisons qu’on retrouve de la beauté dans Salò ou chez le Caravage. La beauté est vraiment le meilleur moyen de créer du lien avec le public. Et si on veut parler d’aspects sombres, de cruauté, de masochisme, de croyances religieuses, il faut le faire à travers la beauté. » Un lien avec le présent Pour tendre vers cette infinie beauté, le peintre espagnol Santiago Ydáñez a créé une partie du décor et des tableaux. « Le plateau est très simple mais en même temps rempli d’un tas de références. Nous avons aussi créé une production qui reflète les différents états d’esprit de Tosca. Le premier acte est plutôt réaliste, et presque cliché comme l’opéra lui-même. Le second acte est plutôt choquant et le troisième est plus déconstruit parce que c’est la folie post-traumatique. » Une vision qui s’inscrit dans une manière d’appréhender l’opéra… et son futur. « Je suis jeune, j’aime aussi les autres styles de musique, la techno, aller en festival quand c’était possible avant le covid (sourire). Pour moi, l’opéra est une partie très importante de la culture européenne. C’est la forme d’art la plus européenne, qui existe depuis plus de 400 ans. Et à un moment où les nationalismes grandissent, qu’il y a eu le Brexit, quand vous regardez une production comme celle-ci, vous avez un chef français, un metteur en scène espagnol, une soprano grecque dans un opéra italien. Nous avons tous des parcours différents et une approche différente de l’œuvre. Pour moi, ce n’est pas seulement important de travailler à La Monnaie pour ce que l’institution représente. Je défends l’opéra comme la forme d’art la plus européenne. Avoir des gens venant de différents pays, de différentes cultures qui collaborent, c’est très important et je suis très heureux de pouvoir développer cela à Bruxelles, au cœur de l’Europe. Dans tout ça, la communication au public est essentielle. Il y a un tas de manières de développer l’opéra aujourd’hui : évidemment, nous devons créer de nouvelles œuvres. Et en même temps utiliser les chefs-d’œuvre de l’histoire de la musique pour les repenser afin que le public d’aujourd’hui s’y sente lié. Ça ne veut pas dire être en jeans sur scène. La question est plutôt d’être connecté à des aspects de la vie dont on se sent vraiment proche. Si vous lisez un livre ou que vous regardez un film à différents moments de votre vie, il prend une signification différente. » « Tosca », du 11 juin au 2 juillet à La Monnaie. Infos : www.lamonnaie.be

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