Leos Carax à propos de «Annette»: «J’ai toujours essayé d’approcher la musique par le cinéma»

Look un peu voyou, un peu lutin, qu’on imagine dans les nuits urbaines en quête de la poésie de ses jours, Leos Carax s’exprime d’une voix basse, lente et douce, laissant la réflexion s’insérer dans le temps de l’interview. Et c’est magique comme son sixième long-métrage Annette qu’il définit noir et enfantin. [scald=28579156:sdl_editor_representation] Pour la première fois, vous n’êtes pas l’auteur du scénario. Vous êtes-vous senti plus détendu alors que le film aborde des sujets très personnels comme la position de l’artiste, le fait d’être ou non un bon père, le rapport au public, la vie, la mort, la célébrité… ? Oui, ce fut libérateur. Je suis arrivé sur le projet des Sparks pour et par la musique. J’avais envie de travailler en musique depuis longtemps. Je connaissais la musique des Sparks pour l’avoir découverte à 14-15 ans. J’avais utilisé l’un de leurs titres dans Holy Motors. Mais ce sont eux qui sont venus vers moi. Ce fut libérateur aussi parce que je tournais dans ma langue maternelle, l’anglais. C’était la première fois et cela répondait à une très grande envie. Mais il a fallu que je ramène le projet vers moi. Au départ, il y avait quinze chansons qui racontaient vaguement cette histoire mais il n’y avait pas vraiment de personnages, pas de milieu, pas de fin. Et c’est devenu mon film. Il m’est apparu plus naturel de filmer en musique que de filmer des acteurs qui parlent ou sont silencieux. C’est comme si la musique m’avait soutenu, comme si j’avais une jambe de plus sur laquelle m’appuyer. Ce fut mon tournage le plus heureux en grande partie parce que c’était chanté. En live. C’était émouvant pour les acteurs de le faire et pour toute l’équipe et pour moi d’être témoin de ça. Vos films précédents contenaient déjà des séquences musicales. Diriez-vous que vous cheminiez vers le film musical ? J’ai toujours voulu faire un film en musique depuis mes débuts. D’ailleurs, mon troisième film, Les amants du Pont-Neuf, je l’avais envisagé comme un film chanté. Mais je pensais que ça n’arriverait jamais car je ne parvenais pas à concevoir le travail avec un compositeur de musique. Comment parle-t-on de musique avec quelqu’un ? Je ne savais pas. On peut dire la même chose de la lumière, du cadrage, des décors. Car moi, je ne sais rien faire. À 20 ans, j’ai eu la chance de rencontrer des gens qui savaient faire tout ça et on n’avait pas besoin de beaucoup de dialogues pour se comprendre et aboutir à quelque chose. Mais la musique, cela me semblait impossible. Ma chance a été de demander à Scott Walker de composer la musique de Pola X et j’ai été assez épaté par la simplicité avec laquelle on a travaillé. Pour Holy Motors, j’ai écrit les paroles d’une chanson, Neil Hannon a écrit la musique et Kylie Minogue l’a chanté live. Cela m’a donné un peu plus confiance. Sur Annette, je n’ai pas écrit une note de musique mais j’ai l’impression d’avoir composé. Juste en faisant des allers-retours entre les frères Mael et moi sur des lyrics. C’était naturel. En fait, j’aurais voulu une vie dans la musique. Malheureusement pour moi, je n’étais pas doué pour ça. Mais il y a toujours eu dans mon travail de cinéma une conception assez musicale. J’avais la sensation d’être parfois chef d’orchestre, parfois compositeur, parfois mixeur de musique. J’ai toujours eu le sentiment d’essayer d’approcher la musique par le cinéma. Vous vous sentez plus compositeur que réalisateur en faisant du cinéma ? Peut-être. C’est très compliqué de voir soi-même son parcours. Je ne revois pas mes films. C’est comme regarder des photos d’enfance, se voir vieillir en photo, c’est pas mon truc et on ne sait pas très bien quoi en conclure. Quand j’ai commencé à faire du cinéma, j’étais toujours le plus jeune de l’équipe. Et mon équipe était principalement masculine. Petit à petit, je deviens le plus vieux et mon équipe est principalement féminine. C’est un changement assez heureux pour moi. Hasard des talents ou volonté ? Je préfère travailler avec des femmes. Je m’en suis aperçu un peu tard car j’ai fait mes trois premiers films avec des hommes. Déjà dans la vie, je me sens mieux avec les femmes, peut-être parce que j’ai été élevé que par des femmes – trois sœurs, une mère. Un des rapports créatifs très forts est celui avec Caroline Champetier, directrice-photo… Cela fait douze ans et trois films qu’on fait ensemble. Le premier, c’était un petit film au Japon, Monsieur Merde. Ce fut aussi mon premier film en digital. Etant très attaché à la pellicule, ce passage au digital m’inquiétait beaucoup. La mort de mon ami Jean-Yves Escoffier, chef-opérateur de mes trois premiers films, m’a aidé à faire mon deuil de la pellicule. Il y eut une libération dans le digital même si je ne peux pas dire que j’aime le digital. En pellicule, je voyais les rushes. J’avais toujours envie de tout refaire et je refaisais beaucoup. Du coup, mes tournages s’éternisaient. Avec le digital, j’ai décidé que je ne regarderais plus. J’ai gagné une liberté et une vitesse. Vous évoquez votre amour de la pellicule car c’était concret. Est-ce pour ce même motif que vous avez choisi une marionnette en bois pour être Annette et non un personnage d’ordinateur ? Oui. Cette idée qu’il faut voir le moteur sinon on perd quelque chose était déjà dans Holy Motors. Je voulais qu’on voie la marionnette, les jointures, que les acteurs et moi puissions la toucher, avoir un rapport sentimental avec elle. Ce qui n’aurait pas été le cas en postproduction avec une imagerie 3D. De toute façon, c’était un casting impossible que d’avoir un bébé de 0 à 5 ans. J’ai pensé à un petit robot mais je n’aurais pas compris le moteur. J’ai choisi la marionnette en bois pour les marionnettistes Estelle et Romuald. J’ai eu confiance en eux. On pouvait créer Annette ensemble. J’ai mis longtemps à les trouver. J’ai d’abord travaillé sur le sujet aux Etats-Unis puis au Japon et je suis finalement tombé sur ce jeune couple français. Au début du film, vous faites une proposition pour une histoire façon « il était une fois… »… L’idée de prologue où l’on annonce dans quel monde fabriqué on va évoluer, vient des Sparks. C’est assez enfantin. Annette est un film noir enfantin. Plus proche d’un opéra que comédie musicale. Il fait souvent nuit dans vos films. Pourquoi ? Ce sont mes producteurs qui me l’ont fait remarquer car tourner de nuit est plus cher et plus compliqué. Je pense que cela vient de quelque chose de primitif. Il y a beaucoup de choses difficiles à filmer de jour. J’ai commencé avec un film en noir et blanc. Dans la nuit ou en studio, n’existe que ce qu’on éclaire. Comme je ne suis pas très doué pour la réalité, je préfère éclairer que ce dont j’ai besoin. Et ça, c’est possible la nuit. Et ce l’est encore plus en noir et blanc car on peut s’en foutre des couleurs, ce qui est puissant. Dans le nuit, on peut faire exister des couleurs primaires de façon belle comme je l’ai fait dans Mauvais sang ou Annette. Comment le fait de filmer les acteurs chantant en live a orienté votre mise en scène ? On a tendance à peu découper car on a envie que l’acteur aille au bout de sa chanson. Le chant est fragilisé par l’acteur en mouvement. Si on lui demande de se pencher, courir, baiser, marcher, le chant est transformé, ce qui rend émouvant le moindre mouvement, ce qui est le but du cinéma. Et la question de souffle parcourt tout le film. Pour chanter, donner naissance, une femme a besoin de souffle. Pour naître, un enfant a besoin de souffle. La comédie est basée sur un travail sur les muscles respiratoires… Je suis fasciné par cette histoire de souffle. Et il est aussi question de dernier souffle. Il y a des morts dans le film. Pourquoi la mort hante-t-elle à ce point votre cinéma ? Ce n’est pas très conscient. J’ai connu la mort très jeune. Et j’ai l’impression de vivre avec depuis presque toujours. Pour Annette, ce n’était pas dans la proposition des Sparks. Mais pour moi, il était clair que ce qui était intéressant avec cette comédie musicale, c’était de prendre la joie, l’énergie, la beauté, l’ironie de la musique mais le fond était une peinture de la morbidité d’un homme. Ce qu’on appelle dans le film « la sympathie pour l’abîme ». Ce qui vous a été facilité par la rencontre avec Adam Driver ? C’est le premier film que je fais avec des acteurs que je ne connais pas. Avant, je gardais les mêmes ou mes copines de l’époque. Là, j’ai été très chanceux avec les quatre acteurs principaux. Avec Adam, il s’est passé quelque chose. On a le même rapport au chaos. On n’en a pas peur. Je suis fier de sa création d’Henry. Adam me pousse à ce qu’on retravaille ensemble. Comme dans « Holy Motors », vous apparaissez au début du film avec votre fille. Vous avez dit que cela vous rassurait. De quoi ? Ayant peu tourné, j’ai toujours ce sentiment d’imposture avec le fait que je ne sais rien faire. Je me demande toujours si on va me laisser faire. Là, je suis plus apaisé car j’ai fait deux films qui se sont bien passés au tournage. Comment le fait d’être père a changé votre rapport au cinéma ? La même chose que dans la vie : on n’est plus Number One. C’est un peu ce que raconte Annette. Je ne fais pas de films de constat. Je mets dans mes films tous mes doutes, et là, je suis parti à fond dans le mauvais père. Si je n’avais pas été père, j’aurais fait le film pour la musique mais pas sûr que j’aurais été intéressé. Que vous apporte le cinéma ? Une maison. Un territoire découvert vers 16 ans. Je l’appelle une île car c’est un endroit un peu difficile à joindre. Quand on tombe amoureux de cette île, on décide de l’habiter et cela donne une tout autre dimension. De là, le point de vue sur le monde est différent.

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