Laura Wandel à propos de «Un Monde»: «La violence vient toujours d’une blessure non entendue»

Présente au Festival de Cannes en juillet dernier avec son premier long-métrage, Un monde, dans la section Un certain Regard et concourant pour la Caméra d’or, Laura Wandel nous avouait que Cannes avait été « l’expérience la plus forte » de toute sa vie. Depuis, elle a vécu d’autres expériences fortes dont ce week-end au Festival du film de Londres où elle a reçu le Prix du meilleur Premier Film. Quelques semaines avant, la jeune réalisatrice belge nous racontait l’aventure de son film ancré dans une cour de récréation. [scald=28579274:sdl_editor_representation] Sélectionnée pour le Festival de Cannes 2020, c’est en juillet 2021 que vous présentez votre film car vous avez préféré attendre. Pourquoi ? C’était un choix. Rien ne remplace le fait de sentir l’énergie de partager un film en salle. D’autant plus à Cannes. Vivre Cannes fut très intense. C’était le premier événement culturel post-pandémie où on se retrouvait tous. J’ai attendu un an sans avoir la certitude que mon film serait resélectionné. J’ai reçu la confirmation officielle trois jours avant la conférence de presse. Enfin pouvoir montrer mon film à Cannes était donc très émouvant. Mais je craignais l’accueil car je me suis toujours battue pour traiter le sujet d’une manière radicale. C’est le fruit de sept ans de travail. L’écriture, chez moi, est un processus qui prend beaucoup de temps. Pour Un monde, j’ai eu besoin d’aller voir dans les cours de récréation, d’interroger des instits, des directeurs d’école, des enfants. Là, je repars dans un même processus pour mon prochain film. J’ai besoin de partir d’une certaine réalité pour créer de la fiction. Ce socle du réel est primordial ? Oui. Ce travail nourrit mon écriture. J’ai besoin de partir de plusieurs points de vue différents pour affiner. J’aime partir d’une micro-société car cela fait écho au monde. Mon prochain film se passera dans le milieu de l’hôpital. « Un monde » nous plonge dans l’univers bruyant de la cour de récréation. Quel souvenir avez-vous de l’école ? Un souvenir très très bruyant, avec plein de monde courant dans tous les sens. Le souvenir d’être agressée par tout ce mouvement, de ne jamais avoir le temps de se poser, d’être sollicitée par plein de choses. L’entrée à l’école fut difficile mais trouvant mes repères, cela s’est mieux passé. Mon film parle de cela, d’intégration. Il fait écho à notre besoin d’être intégré, reconnu. [scald=28579276:sdl_editor_representation] Au cœur de l’école, vous décrivez le harcèlement, sujet très actuel ! Au-delà du harcèlement, ce sont des rapports de domination et de violence. Ce que j’ai pu observer, c’est que la limite est très très mince entre le harceleur, le harcelé et le témoin. La situation peut très vite se renverser. Je pense qu’on a tous été d’une certaine manière dans chacune des positions, même sans s’en rendre compte. La violence vient toujours d’une blessure qui n’a pas été écoutée, reconnue, entendue. Pour l’enfant, c’est sa seule arme pour dire que quelque chose ne va pas. Il n’y a pas à juger mais à être dans l’empathie et la compréhension. Face à ce problème de harcèlement, dans une école, on demandait aux élèves de jouer les trois différentes figures de harceleur, harcelé et témoin. Ce qui permettait de se mettre à la place de l’autre et de comprendre ce que vit l’autre. J’ai vu des changements assez fous grâce à cela. Votre film se vit très fortement à travers le son qui est quasiment un personnage. Quel fut le travail sur cet aspect du film ? Il n’y a pas de musique dans le film car pour moi la musique, c’est la bande sonore. C’est une partition car tout a été pensé de façon très précise. Chaque cri d’enfant, chaque impact de ballon, chaque bruit sont posés à des moments précis pour créer de la tension. Il y avait énormément à recréer du hors-champ au niveau sonore. Le hors-champ est une manière pour le spectateur de projeter des choses personnelles. Deux monteurs son travaillaient en parallèle, un pour les intérieurs et autre pour les extérieurs. Je leur faisais confiance. Je sentais qu’ils ressentaient très bien ce que je voulais faire passer. Vous vous inscrivez dans un cinéma du réel. Quelles sont vos influences ? Les frères Dardenne. J’ai beaucoup appris en regardant leurs films. Luc Dardenne m’a fait des retours sur le scénario. J’aime le cinéma social et réaliste de Joachim Lafosse. Chantal Akerman aussi car Jeanne Dielman fut ma première grande claque. Tous ces cinéastes ont un regard bienveillant sur l’humain et le montrent dans ce qu’il a de pire et de plus beau. Quelle exigence aviez-vous envers le choix des enfants du film ? Je voulais une véracité, que les enfants apportent une part de créativité et qu’on crée le film ensemble. Ce fut un long processus. Quand Maya est arrivée au casting, elle n’avait que 7 ans et m’a dit : « Je veux donner toute ma force à ce film. » C’était bouleversant. Le film ayant des problèmes de financement, on a reporté le tournage d’un an et cela m’a permis de lui apprendre à nager. Cela a créé un lien très fort entre nous. Je ne voulais pas donner le scénario aux enfants. J’ai travaillé avec une orthopédagogue, Perrine Bigot. On a appris aux enfants à ne pas regarder la caméra. Pendant trois mois, on s’est vu tous les week-ends, organisant différents groupes. On leur expliquait le début d’une séance en leur demandant ce qu’ils feraient. On leur demandait ensuite d’improviser pour qu’ils intègrent l’action au niveau du corps. Ensuite, on leur demandait de dessiner. On a parcouru tout le scénario ainsi. A la fin, ils avaient chacun leur scénario visuel. Ce fut fascinant. Les enfants étaient non-stop dans la découverte et la créativité. Les séances

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